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在音乐世界里，我所膜拜的便是约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach，1685～1750）。这不是因为巴赫这个人自身的历史故事或他具备的某种气质，而是因为他的音乐有一种贯穿始终且从不屑的出发点。这个出发点富有科学性：它是一种对人的听力知觉在每个层面上的解剖，挖掘和审视，方式犹如达·芬奇在绘画中所记录的对人体的解剖和挖掘。通过参与音乐这个社会活动，巴赫一次又一次的证明了人的知觉的性质，同时不仅向社会证明了音乐作为人文社会根本构成部分的地位，还对音乐这个媒介的潜能和范围做出了非常全面的定义。
巴赫在其作品中选择的表达方式不但极为健壮且具有强迫性的严密，其内容往往有关于音乐自己的属性：这来自于他对这些音乐属性完全充分的了解。因而，音乐自身的属性富裕了巴赫的作品存在的理由以及贯穿时代的实用性。
踏入巴赫的作品便是踏入音乐圣殿的大门。罗马尼亚作曲家和小提琴家乔治.埃内斯库(George Enescu, 1881~1955)是巴赫作品二十世纪主要演绎者之一。他在向学生传授《小提琴无伴奏奏鸣曲与组曲》时，喜欢做出各种视觉比喻，其中他吧《g小调一号奏鸣曲》的开篇就形容成"教堂的大门"。这首庄严的慢板不仅是《一号奏鸣曲》的开篇，也是《小提琴无伴奏奏鸣曲与组曲》整套作品的开篇。巴赫为这首乐章选择的特征便也反映了它在作品中这样的功能；这首乐章的内容便也与它在作品中的环境达成了一致：如果将聆听考虑为社交行为，这首乐章仍然恰当。
Δ BWV 1001 - Sonata No.1 for Solo Violin (Scrolling)
（巴赫）写下这个和弦，就像立了一根柱子；当你看见例如大教堂这样巨大的建筑时，你首先看到的不是细节，而是柱子。"
－－小提琴家马克西姆·文格罗夫（Maxim Vengerov，1974-）在大师班中传授这首乐曲时对学生做出的比喻
音乐存在的先天条件是张力；而张力原于对比。将多件彼此对比的声音结合为整体，结果便是音乐。在这首柔板中，巴赫在总的织体层面上选择了一套相对明显，相对极端的对比：如果延续以建筑为比喻的话，乐曲织体中的"柱子"便是三到四个音组成的大和弦，而织体中的"横梁"便是大和弦之间作为连接的单音；推动音乐的"导火索"便是这两个基本演奏技法之间互相的摩擦与互补。就算你看不懂五线谱，这组对比在乐谱的第一行中仍然显而易见。
柔板中的柱与梁
如果非要将这首乐章追述到一个当时现有的传统中来，那巴赫最有可能暗指巴洛克当时的即兴音乐。虽然当时即兴演奏盛行于德国北部管风琴学派（North German Organ School）中，在弦乐器上即兴演奏则更盛行于意大利。当时的即兴演奏往往会借用一组暗指某些和声的低音声部或甚至一首合唱曲作为其骨骼或基础，把它当成即兴演奏的跳板。然而这首作品相对于巴洛克中早期的类似作品而言记谱却极为精准：曲中节奏长至一分音符，局部出现极短的一百二十八分音符。
如此精准的记谱，仿佛容不下演奏者在其中画蛇添足，添加更多的即兴元素；因而现代演奏家极少在其中添加即兴风格的装饰音。从某种程度上说，这首乐曲如同在小提琴上移植翻译了即兴音乐－－如果要形容，那么形容成“写出来的即兴装饰”应符合作品的织体结构－－听其音如同随性的即兴；究其谱却发现极为精确。这首乐曲的演奏者则必须在这两者似乎对立的现实中进行权衡－－虽要跟随精准的五线谱，也要对观众传达出即兴演奏家自信。
Johann George Pisendel（1688～1755）；与巴赫合作过的小提琴家，也是当时顶尖的小提琴家之一
乐曲开篇的主题出现两次：开头的g小调是第一遍，第14小节的c小调是第二遍。这个主题的关键不在于其旋律，而是它的和声“柱子”－－细看乐谱便可发现，主题的两次出现虽用了同样功能的几个和弦，和弦的演奏法以及和弦之间的连接旋律片段却不同，如同在两根相同的两组柱子上雕琢了不同的浮雕，或是在切换看这组和声的角度，改变对其的态度；如此，巴赫便在结构中达到了乐曲的贯穿性，让乐曲无论在宏观或围观层面上都具有这种富有张力的双面性。能够把多件似乎全然对立的音乐元素拼接成一个复杂却一致的整体，是巴赫完全精通音乐素材的体现。
柔板中主题和声进行的两次出现比较
柔板（Adagio）
赋格（Fuga）
西西里舞曲（Siciliano）
急板（Presto）
BWV_1002 BACH
（巴赫）写下的和弦，就像立了一根柱子；当你看见例如大教堂这样巨大的建筑时，你首先看到的不是细节，而是柱子。"
Δ BWV 1002 全集
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